„Ich fotografiere seit Jahren, Videos zu machen wird einfach sein!“ 

Wenn auch du in die (naive) Arroganz verfallen bist zu denken, dass das Erstellen von Familienvideos ein Kinderspiel sei: Willkommen, du bist nicht allein! 😛

Sicherlich hilft uns das geschulte Auge, angenehme Kompositionen zu schaffen, auf die Belichtung zu achten und interessante Situationen zu erkennen. Aber leider bedeutet Fotograf zu sein nicht, dass man automatisch gute Videos machen kann. 

Deshalb habe ich Giulia und Giacomo – die italienischen Videofilmer, die mein Image-Video erstellt haben – gebeten, uns Fotografen einige Ratschläge zu geben, wie wir unsere videografischen Fähigkeiten verbessern können.

Bevor du nun Amazon zum Einkaufen öffnest, halt! Diese „7 Tipps für ein gutes Video“ haben nichts mit der Ausstattung zu tun! Wir wollten über den technischen Aspekt hinausgehen und über jene Dinge sprechen, die WIRKLICH einen guten Film ausmachen. Über die Details, die den Unterschied zwischen einem „meh“-Film und einem Film ausmachen, den man sich ständig ansehen würde.

7 Tipps für ein gutes Video 

1) Vorsichtig komponieren und stehen bleiben: sich zu bewegen ist nicht immer das Richtige.

Familienreportagen haben oft Kinder als Protagonisten.

Ihre Vitalität ist schwer einzudämmen; man ist versucht, ihnen mit der Kamera zu folgen, um nichts von dem, was sie tun, zu verpassen. Dabei laufen wir jedoch Gefahr, unscharfe und verwirrende Bilder zu erhalten.

Dann kann es klug sein, stillzustehen, aus der richtigen Distanz zu beobachten und die Bewegung innerhalb des Bildausschnitts zu lassen. Unsere Figuren geben so dem Film Dynamik. Konzentrieren wir uns auf die Aufnahme, den Fokus, die Belichtung und den Aufnahmewinkel, stellen wir sicher, dass die Linien gerade sind. Lassen wir „die Aktion“ in Ruhe vor uns fließen, bevor wir die Aufnahme beenden und zur nächsten Position übergehen.

In diesem Familienfilm bemerken wir in den Szenen 27″ bis 37″, dass die Kamera still steht und wie die Bewegung innerhalb des Bildes ist: die Personen verlassen das Feld, nähern sich der Kamera und bewegen sich von ihr weg, ohne dass sie ihnen folgt. Auf diese Weise schlagen wir einen objektiven Standpunkt vor, eine Dokumentation im Dienste der Bewegung der Subjekte. (2) Und wieder zeigt die Szene der Spiele bei 1’05“, wie die Kamera auf Augenhöhe mit dem Kind platziert wird.

2) Halte die Kamera still und achte auf den Aufnahmewinkel!

Im Video ist wie in der Fotografie der Blickwinkel von großer Bedeutung. 

Eltern filmen ihre Kinder oft von oben, von ihrer natürlichen Position aus. Sich in die Lage des Subjekts zu versetzen und so nahe wie möglich auf seiner Augenhöhe zu stehen, ermöglicht hingegen eine größere Identifikation mit der Situation und vermittelt einen neutraleren Blick. Ein Schuss von oben erdrückt schnell die Personen und man riskiert, ein Gefühl der „Quetschung“ zu erzeugen.

Aufnahmewinkel!

Bestimmte Aufnahmewinkel (von oben oder von unten) können nützlich sein, um ein Detail (eine Hand oder einen Fuß), ein Objekt (z. B. ein Spielzeug), eine Weitwinkel Umgebung (z. B. von oben aufgenommen) harmonisch zu umrahmen.

3) Bewege die Kamera im Raum!

Die Kamerabewegungen haben die Aufgabe, das Auge des Zuschauers bei der Entdeckung einer Szene, einer Umgebung zu begleiten.

Wir können dies durch eine Aufnahme tun, die hinter einer Wand beginnt, um den Raum zu entdecken, in dem unsere Subjekte ihren Tag verbringen. Dies ist eine gute Herangehensweise, um Erwartungen, Überraschungen und Emotionen zu erzeugen.

Ebenso kann die Bewegung durch den  Raum dem kindlichen Protagonisten oder der Interaktion mit seiner Mutter folgen. Wir können uns dem Thema behutsam nähernund darauf achten, dass das Bild nicht zu bewegt ist. Auf diese Weise sind wir nicht mehr einfache externe Zuschauer (hinter der Mauer hervor schauend), sondern bereit, mit den Protagonisten des Videos in Kontakt zu treten. Und wieder können wir den Blickwinkel vom konzentrierten Gesicht des Subjekts auf dessen Hände verlagern, wenn diese in jedem Moment malen. So  erklären wir mit einem einzigen Schuss den Grund für seine Konzentration. Ebenso wandern wir vom Gesicht der lächelnden Mutter zum Gesicht des lächelnden Kindes, um das Glück der  Beiden in diesem Moment einzufangen.

Kurz gesagt, die Kamerabewegungen sind wichtig und nützlich, um Emotionen zu transportieren und Verbindungen zwischen den Figuren herzustellen. Sie erleichtern das Miteinbeziehen des Zuschauers, sie geben ihm das Gefühl, Teil der Szene zu sein. Es ist jedoch notwendig, vor der Ausführung der Bewegung genau wissen, wo sie beginnt und wo sie endet. Jede Bewegung muss von Punkt A nach Punkt B gehen. Andernfalls besteht die Gefahr, dass man abgelenkt und verwirrt wird.

Bewege die Kamera im Raum!

Bei 1’34“ zielt die Bewegung darauf ab, den Raum zu durchsteigen – von den Füßen bis zu den Gesichtern unserer Protagonisten. Sie enthüllt die Aktivität der Charaktere. So wird Dynamik und Überraschung erzeugt. 

4) Bring Abwechslung in dein Video!

Es ist unerlässlich, über eine Aufnahme nach dem Schnitt nachzudenken – es sei denn, das Video wurde im „Sequenzplan“ gedreht, d. h. ohne jegliche Abtrennungen im Innern.

Dies bedeutet, eine ausreichende Anzahl von Aufnahmen zu machen, um unsere Geschichte reich und dynamisch zu gestalten. Diese Aufnahmen sollten gleichermaßen Weitwinkelaufnahmen, mittlere Aufnahmen, Nahaufnahmen und Details enthalten.

Nützlich ist es auch, sich in der Umgebung zu bewegen und dabei den Aufnahmewinkel zu verändern, um die verschiedenen in der Szene vorhandenen Motive hervorzuheben. Für jede Aufnahme ist eine gewisse Aufnahmezeit nötig (siehe Punkt 6). Wir sollten es nicht zu eilig haben, unsere Position zu ändern, aber wir sollten bereit sein, uns bei Bedarf schnell zu bewegen. Dabei müssen wir stets darauf achten, das Gefühl des Augenblicks nicht zu „unterbrechen“.  

Schließlich sollten wir nicht vergessen, dass es für eine gute Geschichte nicht ausreicht, nur die Figuren zu filmen.Ebenso bedeutsam ist es, einige Aufnahmen den Räumlichkeiten und einzelnen Gegenständen zu widmen.

Diese Bilder werden sehr nützlich sein, um dem Zuschauer zwischen den Szenen Luft zum Atmen zu verschaffen. Gleichermaßen können sie eventuelle Lücken in der Geschichte füllen, die Umgebung der nächsten Szene vorwegnehmen oder sogar als Kulisse für den Vor- oder Abspann unseres Films dienen.

Vielvalt!

Dieser Film zeigt, wie wichtig es ist, eine große Vielfalt an Aufnahmen zu produzieren, einschließlich Objekten und Kontext Räumen. Die Familie wird tatsächlich von der ersten Sekunde an mithilfe der Dinge, die das Haus, in dem sie lebt, ausmachen, vorgestellt. Fotos, Schnickschnack, Gemälde. Der Zuschauer spürt also etwas mehr als das Leben der Protagonisten.

Außerdem wird jede Szene durch verschiedene Aufnahmen erzählt. Das Frühstück, zum Beispiel, zählt dreizehn Clips. Alle unterschiedlich nützlich, um die Familie vorzustellen und der Geschichte Dynamik zu verleihen. Die gleiche Vielfalt gilt für die Präsentation der Räume: der Zuschauer wird von der Küche bis zum Badezimmer begleitet, indem er durch das Kinderzimmer und das Wohnzimmer geht:Je lebendiger wir die Geschichte der vielen Nuancen erzählen, die das Leben unserer Familie ausmachen, desto mehr wird der Film mit einer reichen und angenehmen Geschichte fundiert.

5) Denk an die Klang-Umgebung und Musik!

Jedes gut konzipierte Video besteht aus Bildern, aber auch aus Ton: der Audiopart ist grundlegend, um die Zuschauer mit einzubeziehen und Emotionen zu erzeugen. 

Die Suche nach der richtigen Musik kostet Zeit, aber sich nicht mit der kommerzielleren Auswahl zufrieden zu geben, lohnt sich am Ende des Tages.

Wählen wir Musik, die die gewünschte Atmosphäre vermittelt, ohne dabei zu aufdringlich zu sein.

Ton: Umgebungsgeräusche und Musik

Wenn wir uns diesen Film anschauen, verstehen wir, wie Audio und Musik genutzt werden können, um die Geschichte fesselnder zu machen.

Bei 20″ haben wir zum Beispiel den ersten Raumwechsel: Von der Küche gehen wir ins Wohnzimmer. Sogar die Musik ändert sich (sie hat eine Variation des Themas)! Das ist schon in der Sequenz bei 47″ sehr deutlich, wenn der Spielwechsel der Kinder mit einem deutlichen musikalischen Wechsel zusammenfällt. Es ist eine immer gültige Wahrheit, dass uns die Geschichte von einer Situation in eine andere bringt und der Wechsel der Musik hilft dem Zuschauer, sich zusammen mit den Protagonisten zu ‚bewegen‘. Achtet darauf!

Was den Ton betrifft, so lachen die beiden Protagonisten und imitieren einander bei 33″. In dieser Szene wurde beschlossen, das ursprüngliche Lachen beizubehalten, um dem Zuschauer die ganze freudige Energie des Augenblicks zu vermitteln. Und dasselbe bei 1’17“, wenn der Ton das Spiel zwischen Mutter und Kindern suggeriert und erzählt. Kurz gesagt, Audio und Musik sind zwei sehr wichtige Verbündete, um einen fesselnden und spannenden Film zu kreieren. 

6) Warte, bis du ‘Stopp’ drückst!

Ziel der Familien-Videoreportage ist es, den Alltag einer Familieneinheit zu erzählen. Wir werden daher mit Szenen aus dem wirklichen Leben in Kontakt kommen, über die wir oft keine Kontrolle haben. Wir sollten daher versuchen , genau den Moment zu filmen, in dem das Kind den ersten Bissen nimmt, seine Mutter anlächelt, den Vater bei der Hand nimmt.

Wie lange dauert dieser Moment? Ein paar Augenblicke, wenn wir Glück haben ein paar Sekunden. Wie lange sollten unsere Dreharbeiten dauern? Immer ein paar Sekunden länger  – aus dem einfachen Grund, dass der Clip, den wir erstellen, zusammen mit allen anderen bearbeitet werden muss. Und weil der Betrachter die körperliche Zeit haben muss, sich die gerade empfangene Emotion zu eigen zu machen. Wir müssen also nach dem Ende einer Handlung noch ein oder zwei Sekunden lang aufzeichnen. So rahmen wir die Szene ein, ohne uns zu bewegen, ohne die Aufzeichnung zu unterbrechen. In der Postproduktion werden wir dadurch die Möglichkeit haben, die Emotion des Augenblicks noch ein paar Momente länger leben zu lassen. Drücken wir hingegen auf Stopp, sobald die Handlung beendet ist, besteht das Risiko , dass Bilder (und damit Szenen ) abgeschnitten und nicht wirklich zu ende gebracht werden. 

Warten, bis wir auf Stopp drücken 

Dieser Rat ist mit am kompliziertesten zu untermauern. Beim Editieren arbeiten wir nämlich so, dass wir die Sekunden entfernen, die wir je nach dem Tempo, das der Geschichte gegeben wird, für überflüssig erachten In dem hier gezeigten Film könnt ihr raten, in welchen Clips das Rec am längsten aufrecht erhalten wurde, mit der Absicht, die Emotion des Augenblicks zu ‚retten‘. Ein Beispiel ist die Szene von 1’31“ bis 1’36„. Hier zeigt sich durch die Umarmung zwischen der Mutter und dem kleinen Mädchen und die anschließende Umarmung  des Vaters ein ‚freies‘ Lächeln. So etwas einzufangen gelingt nur durch eine lange und geduldige Aufnahme. 

7) Der Blick in die Kamera

Wie bei der Fotoreportage ist es auch bei Familienfilmen gut, den Blick des Motivs in die Kamera so weit wie möglich zu vermeiden. Vor allem Kinder sind versucht, die Arbeit des Filmemachers auszuspionieren: Versuchen wir daher, sie unsere Anwesenheit langsam vergessen zu lassen. 

Tatsächlich verliert sich jedes Mal ein wenig die Magie des Films, wenn das Subjekt direkt in die Linse schaut: Wir werden uns der Anwesenheit eines externen Auges, das die Szene filmt, bewusst.

Der Blick in die Kamera kann punktuell interessant sein, wenn man den Blick hinter der Kamera mit dem eines Familienmitglieds vergleicht. 

Wenn das Kind beispielsweise auf die Linse zuläuft und dadurch das Laufen zur Mutter oder zum Vater angedeutet wird. Diese Art subjektiver Aufnahme sollte jedoch innerhalb einer Bildcollage, die eine flüssige Erzählung komponiert, dosiert und gezielt eingesetzt werden.

Lass uns zu diesem Film zurückkehren für einen weiteren Ratschlag: der Blick in die Kamera.

Bei 1’28“ dreht sich einer der beiden Kinder-Protagonisten in den Raum mit der Absicht, die Filmmacherin Giulia in ihr Spiel mit einzubeziehen. Sie fühlt sich direkt involviert und entscheidet sich einfühlsam, den Moment zu filmen und wählt im Schnitt, den Film mit genau dieser Szene zu beenden. Es ist ein Beispiel dafür, wie der Blick in die Kamera, der im Allgemeinen verboten ist, zugunsten der Geschichte angenommen und genutzt werden kann, um das Publikum stärker einzubeziehen. 

Folge Giulia und Giacomo auf Instagram, um ihre neuesten Arbeiten zu sehen und dich inspirieren zu lassen! 

Ich hoffe, diese Tipps haben dir so gut gefallen wie mir! Nummer 6 könnte der Bereich sein, an dem ich selbst noch am meisten arbeiten muss. Und was war dein Aha-Moment?

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